15 место. Blink-182 — Neighborhoods

Один из самых ожидаемых релизов 2011 года. Один из самых ожидаемых реюнионов. Что можно сказать — никаких сверхоткровений альбом не содержит, материал плотненький, но средненький. Такой поп-панк без затей. Попал в топ скорее по общему ажиотажу, а не за музыкальные успехи.

14 место. Beastie Boys — Hot Sauce Committee Pt. 2

Неожиданный гость в моем чарте. Но интересно иногда разбавить рок в плейере чем-то задорным из смежных жанров. Восьмой студийный альбом американского трио произвел впечатление, помимо музыкального материала, прекрасным промо-видео Fight For Your Right (Revisited).

13 место. Cake — Showroom of Compassion

Меня нельзя назвать поклонником группы Cake, с ее творчеством я знаком весьма поверхностно, и хотя бы поэтому их появление в моем чарте — любопытное событие. Хороший альбом, выдержанный в стиле предыдущих творений группы. Вообще, все творчество группы достаточно похоже, но в данном случае — это не укор, а образец преданности выбранному когда-то стилю и звучанию.

12 место. Panic! At the Disco — Vices & Virtues

Группа, вставшая на грань развала после ухода двух из четырех участников, выпустила альбом, заставивший умолкнуть скептиков. Прекрасный альбом, в духе самого первого творения группы, но плотнее, сочнее и заметно взрослее.

11 место. R.E.M. — Collapse Into Now

Ветераны американской сцены R.E.M. этим альбомом закрыли последнюю страницу в своем творчестве, объявив в этом году о распаде группы. Collapse Into Now стал прекрасным альбомом-эпитафией...

10 место. Florence + The Machine — Ceremonials

Второй альбом англичанки Флоренс Уэлч «радует» мрачностью, атмосферой напоминая истоки дельта-блюза, материал глубокий, размеренный, немного тягостный, но не оставляющий слушателя равнодушным. Местами слышится Son House, а местами чуть ли не The Killers.

9 место. SuperHeavy — SuperHeavy

Супергруппа, созданная Миком Джаггером, с громким названием SuperHeavy — полностью его оправдала. Одноименный альбом коллектива представил публике крайне любопытный, а что еще более важно — гармоничный сплав индийской этнической музыки и регги, поп-музыки и рока. Настоятельно рекомендую всем любителям качественной интересной и неожиданной музыки.

8 место. Chickenfoot — III

Еще одна супергруппа. Но это уже второй альбом, что для супергрупп большая редкость :) Критики не очень оценили этот альбом, хитро названный «Частью 3», хотя второй как бы не было. А на мой взгляд альбом удался, и я лично не вижу принципиальной разницы по качеству материала с первым творением коллектива. И очень понравилась фраза, что Chickenfoot — это прекрасная месть Эдди Ван Халену, уволившему Майка Энтони и Сэмми Хагара из Van Halen. Chickenfoot явно востребованная команда, а Van Halen, с вернувшимся Дэвидом Ли Ротом и сыном Эдди Ван Халена Вольфгангом на басу, стал просто пародией на самих себя...

7 место. The Cars — Move Like This

Еще один реюнион, The Cars в классическом составе, кроме покинувшего этот мир Бенджамина Орра. Альбом полностью соответствует ожиданиям поклонников: никаких заигрываний с современными звуками, никаких экспериментов, простой new-wave, по звучанию похожий на самый первый альбом группы 1978 года.

6 место. Foo Fighters — Wasting Light

Иногда начинает казаться, что все, чем занимается Дэйв Грол просто обречено на успех. Его коллектив Foo Fighters выпустил в 2011 году два альбома — Wasting Light и альбом каверов Medium Rare. И оба они, бесспорно, хороши.

5 место. Eskimo Joe — Ghosts Of the Past

Единственное место на Земле, где можно найти огромное число интересных талантливых и неизвестных рок-групп — это Австралия. Австралийский рок не превратился в рэп-недоразумение подобно американскому, и не стал сборищем групп, играющих в стиле кто кого перенудит, как британский. Если хотите открытий — изучайте австралийскую сцену, оно того стоит. Вот и один из примеров — группа Eskimo Joe.

4 место. Social Distortion — Hard Times And Nursery Rhymes

Американские панк-рокеры Social Distortion к своему седьмому альбому стали обстоятельны, серьезны и душевны. Данный альбом прекрасный образец музыки, идущей от сердца, от сердец взрослых мужиков с «историей». Да, это все тот же «секс, наркотики и рок-н-ролл», но уже без юношеского запала, а вдумчивый и обстоятельный. Отдельно рекомендую клип на песню Machine Gun Blues.

3 место. The Black Keys — El Camino

От всей души радуюсь тому, что этот замечательный дуэт получил таки заслуженную славу. Их предыдущий альбом Brothers завоевал аж три премии Грэмми. И новый альбом El Camino не отстает по качеству материала. Альбом, в который влюбляешься с первого прослушивания.

А далее начинаются сложности :) Я так и не смог выбрать из двух альбомов, какой будет первым, а какой вторым. Поэтому сегодня у нас два первых места.

1-2 место. Dropkick Murphys — Going Out in Style

О дропкиках можно говорить бесконечно. Феноменальная панк-группа из Бостона, задорная громкая музыка с ирландскими мотивами — как отметили у меня в камментах как-то: «Под дропкиков и трезвым плясать можно». И добавить нечего. Одноименный трек с альбома интересен нам тем, что в нем небольшую вокальную партию исполняет Крис Чейни, вокалист и гитарист The Living End, разместившихся в топе по соседству :)

1-2 место. The Living End — The Ending Is Just The Beginning Repeating

Можно вернуться к теме австралийского рока :) Новый альбом моих любимых TLE прекрасен. Группа продолжает расти, и развивает успех предыдущего альбома White Noise постепенно уходя от развеселого панкобилли, взрослеют.

На этом на сегодня все, до встречи, мои любимые читатели!

Михаил Кормышев.

Сольные концерты Леонида Фёдорова в ЦДХ в преддверии Нового Года уже стали доброй традицией. Так и в этом году, 23 декабря 2011 года, лидер «АукцЫона» устроил в буквальном смысле аншлаг – у кассы висело соответствующее объявление. Не только все кресла, но и все проходы в концертном зале Центрального дома художника были заняты, пустых мест не было совсем.

Концерт получился сверхэмоциональным. Энергия, с которой Лёня Фёдоров исполняет песни сольно, кажется даже более яркой, чем та, которая ощущается на концертах «АукцЫона» в полном составе. Видимо, дело тут в её концентрации – весь вечер внимание слушателей приковано к человеку, который только лишь с помощью голоса да гитары шаманит и ворожит на сцене в одиночку.

Поклонники творчества «АукцЫона» и лично Леонида Фёдорова после концерта отмечали, что каждая следующая песня немедленно вызывала внутреннюю реакцию: «О! Самая любимая!». И так на протяжении двух часов, в течение которых было сыграно более 30 композиций. Звучали не только старые, известные, несомненно, самые любимые вещи, но также и достаточно свежие, с осеннего альбома «Юла», такие как, например, песня «Кожаный», которую Леонид Фёдоров исполнил на рояле. За этот «эксклюзив» слушатели должны быть благодарны весьма кстати порвавшейся гитарной струне.

Волшебство, которое каждый декабрь Леонид Федоров вершит своими песнями, наверняка воспринимается его почитателями как неотъемлемая часть новогодних и рождественских чудес. И здесь с ними, пожалуй, не поспоришь.

Константин Приешкин.

© фотограф Платонова Алина.

В этой «простой» пьесе, оказавшейся намного сложнее, намного глубже, затрагиваются вопросы, которые никогда не перестанут волновать людей – любовь, правильность собственного выбора, человеческие ценности, верность, достоинство.

Все это подается под легким соусом тонкого юмора со стороны Эдуарда – бухгалтера-интеллигента, разбирающегося в искусстве, — — И о чем вы говорили с Фло на этих ваших встречах? — О политике… об опере…. — и грубоватых шуток со стороны Давида – сборщика мусора, занявшегося бизнесом по производству картонных коробок.

Это встреча не только двух пожилых мужчин на могиле умершей женщины – это встреча двух разных начал: романтичного и прагматичного. Эдуард Джонсон в данном случае – вечный мечтатель, живущий прошлым и воспоминаниями; Давид Галперн — крепко стоящий на ногах материалист, знающий себе цену. Это интересно подчеркивается одной деталью, на которую поначалу не обращаешь внимания – музыкой. Когда воспоминаниям предается Эдуард, то фоном потихонечку звучат легкие мелодии, которые «крещендуют», взвиваясь вместе с голосом Анпилогова, пока Галперн не прерывает его каким-нибудь вопросом или репликой. Тогда музыка резко обрывается и возникает чувство, о котором часто говорят, но по-настоящему не чувствуют – «слететь с небес на землю».

Эта пьеса о том, что человек настолько огромный микрокосм, что, сколько бы не быть рядом, все равно в нем останется неизведанное, не тронутое и удивительное, — «Наглости у вас через край! Описывать мне мою собственную жену!», — Галперн прожил с Фло пятьдесят лет (сейчас не многие могут похвастаться таким сроком) однако, так и не узнал ее. Он уверен, что Фло абсолютно не разбирается в политике, про оперу даже не догадывается.

— А вы знаете, какая у нее любимая опера? – спрашивает Джонсон, и сам же отвечает: «Кармен» Бизе. А ария? «Хабанера»!

Такое чувство, что мужчины разговаривают о двух разных женщинах, они и сами это отмечают. Но она и была разной! Всего лишь мечтой для одного и жизнью для другого. Фло для Давида и Флоранс (с ударением на «а»)
для Эдуарда. Жалела ли она о своем выборе? Думала ли о том, что поступила неправильно, когда вышла замуж за Галперна? Постоянно. Иначе зачем эти встречи с Джонсоном четыре раза в год? Зачем этот постоянный возврат к прошлому? Попытка доказать себе, что она права или же посмотреть на свою жизнь, какой она могла бы быть?
Когда Галперн спрашивает у Эдуарда, что еще особенного Фло ему рассказывала, — а Джонсон знал, казалось, об их семье все, вплоть до того, с чем Давид предпочитает бутерброды, — возникает ощущение, что сейчас откроется очередная тайна. И она открывается: оказывается, Галперн тоже любил – страстно, отдаваясь своей любви без остатка. Вот только не Фло. Он с упоением рассказывает о другой женщине в его жизни, вспоминает о ней, о ее желании жить по-настоящему, о ее уходе. Галперн спросил, что она нашла в том, другом, что ей настолько понравилось, что она решила уйти от него. «Его руки, — ответила она, — потому что они похожи на твои». Страшный, обескураживающий ответ…но Галперна почему-то не жалко! Ни минуты в этой пьесе он не вызывает симпатии. Когда Джонсон рассказывает о семье Флоранс, о ее отце, — …он обнял меня за плечо…. — когда он вспоминает о любви всей своей жизни, рыдает над могилой – его искренне жаль, ты сопереживаешь ему. А Галперну – нет.

Джонсон и Флоранс последние несколько лет встречались в одном и том же месте – кафе «La vie en rose» («Жизнь в розовом свете»). Название кафе, как и название пьесы,
аллегорично: розовый цвет – это цвет беспечности и детской фантазии, цвет мечты и хорошего настроения. А чем, как не фантазией и мечтой являлись эти встречи? Под конец пьесы герои говорят, что «жизнь в розовом свете жизнью считать нельзя». Ты видишь то, чего нет, и делаешь то, что не нужно, а потом, сняв очки, понимаешь, что ничего этого не хотел.
Эта пьеса не о двух пожилых мужчинах, а, по меньшей мере, о пяти неудавшихся судьбах: Флоранс, вышедшей замуж не за того; Давид, испугавшийся своих чувств; Эдуард, не сумевший пойти против родителей и религиозных убеждений; Эллен (жена Джонсона), которую муж не любил по-настоящему никогда; любовница Галперна, ушедшая в поисках настоящей жизни от любимого человека.

Как хочется порою прожить несколько жизней! Хочется и того, и другого, и третьего! Ты мечешься из стороны в сторону, пытаясь решить, что же будет единственно правильным. Мы часто забываем, что нам дана всего лишь одна дорога и позволяем себе непростительные ошибки. А ведь так важно эту жизнь – единственную – прожить правильно, следуя за своими мечтами и любовью.

Александра Горелая.

Главный герой фильма Роджер Браун в исполнении великолепного Акселя Хенни — маленький, страшненький, — «Мой рост 1 метр 68 сантиметров, это немного, но у меня есть другие достоинства», — но успешный специалист по подбору топ-менеджеров в крупнейшие компании Норвегии с безупречной репутацией /слово на букву «Р»/.

У него есть все: роскошный дом, хорошая машина, красавица жена Диана, любовница Лотта и маленькое хобби, за счет которого он и живет – Роджер крадет шедевры живописи.
На открытии своей художественной галереи Диана знакомит его с Класом Граафом, который в наследство от бабушки получил картину Рубенса, считавшейся утерянной во Вторую Мировую Войну – «Охота на дикого вепря». Полотно стоит десятки миллионов – что и говорить, лакомый кусочек.
Браун со своим напарником Уве крадет картину – тут-то и начинается самое интересное, собственно, охота за головами, точнее, за одной головой – самого Роджера. В какой-то момент фильм начинает напоминать «Игру» Дэвида Финчера. Герой остается один, кажется, что все против него, жизнь летит под откос в течение одного дня, в предательстве подозреваются все, окружающие люди оказываются не теми, за кого себя выдают. Клас не так прост, каким казался поначалу, Диана спит с другим, Лотта каким-то образом тоже замешана в травле, «Охота на дикого вепря» — и та всего лишь копия. Что делать, куда бежать, где искать помощи? И самое главное – из-за чего весь сыр-бор?

Фильм снят по одноименному роману Ю Несбё, ныне одного из самых популярных норвежских авторов не только в Норвегии, но и во всем мире. «Охотники за головами» — это первая книга Несбё, в которой действует не знаменитый полицейский инспектор Гарри Хоул, а кто-то другой. В 2008 году роман разошелся огромными тиражами в 40 странах мира, наделав много шума. «Вся мощь Несбё лежит в его способности создавать непредсказуемые повороты сюжета, в способности описать, как инстинкт выживания человека выводит наружу его скрытые возможности» — Каин Халт, журнал «Stavanger Aftenblad». Мортен Тильдум это понял и ярко воплотил на экране.

Сцена, где Браун с головой погружается в экскременты омерзительна, — в зале слышны восклицания брезгливости, — даже шокирующая в своей натуралистичности. А что бы сделали вы, встав перед выбором – либо это, либо быть разорванным бойцовским псом, натасканным на убийства?
Фильм раскрывается с двух сторон. Это триллер со всеми «фишками», присущими этому жанру – напряжение, неожиданные повороты сюжета, динамика, погони. Но это и немного комедия, которая не позволяет зрителю увязнуть в ужасе до конца. В начале фильма почти детально показывается, как Роджер крадет картину – четко, уверенно, профессионально. Он выполняет ряд отточенных до автоматизма действий. Его напарник Уве столь же хорошо знает свои функции в деле. Но в другой сцене, когда Браун привычно сообщает об очередном клиенте, мы видим Уве голым, бегающим по квартире за проституткой с пистолетом. Они в самом разгаре любовной ролевой игры. Это вызывает легкий смешок и осознание того, что перед нами обычные люди со своими страстями и слабостями.

«Охотники за головами» — фильм, где не провисает ни одна деталь, каждая из них оказывается оправданной и нужной, — сценаристы: Ларс Гудместад, Ульф Рюберг, Ю Несбё, —
каждая срабатывает в тот или иной момент. Взять хотя бы двух близнецов-толстяков-полицейских. Они, безусловно, создают комический эффект, особенно когда рядом с ними видишь маленького Роджера. Но именно благодаря им, Браун остается в живых, когда машина слетает со скалы. Толстяки-полицейские «срабатывают» как подушки безопасности – и этому веришь.

Финал фильма показался немного смазанным и сумбурным, будто его создателям нужно было уложиться в хронометраж – нарезанные куски, где Роджер быстренько рассказывает нам, что ему пришлось придумать и сделать, чтобы выпутаться из всей этой истории чистым. Диалог Брауна и Граафа о любви выглядит нелепо и откровенной данью… чему? — моде, шаблонам, желаниям зрителей услышать это?
Название картины несколько неудачное, несмотря на то, что роман Ю Несбё назван именно так. Но один «Охотник за головами» (режиссер Энди Теннонт) уже был. Возникают невольные ассоциации с Джералдом Батлером и Дженнифер Эннистон – и уж тут ничего не поделаешь.

Фильм привлекает внимание европейским «звездным» актерским составом. В первую очередь, Аксель Хенни («Джонни Ванг», «Друг», «Макс Манус», «Довольно добрый человек», «Эпоха героев»). Сейчас это один из самых популярных и востребованных актеров Норвегии, обладатель премий Amanda Awards и Kostorama Film Festival.
Мортен Тильдум: «У меня не было сомнений, что Аксель Хенни – единственный, кто сможет сыграть главную роль в «Охотниках»… Аксель невероятно одаренный и талантливый, у него есть все необходимые качества…» (ранее Мортен Тильдум и Аксель Хенни работали вместе над картиной «Друг»). Класа Граафа сыграл Николай Костер-Вальдау («Ночной сторож», «Падение черного ястреба», «Царство небесное», «Игры престолов»), один из самых успешных актеров Дании международного уровня. Замечательный актер, но его персонаж в «Охотниках за головами» словно картонный – красивый, мужественный и делающий то, что положено делать злодею. Эйвинд Сэндэр («Письмена на стене», «Скрытые», «Триггер») появился в «Охотниках за головами» в роли полицейского инспектора Ове Кикеруда, расследующего кражи картин. Его на экране мало, — ведь речь вовсе и не о нем, — но каждое его появление привносит в картину особую атмосферу серьезности, граничащей с комизмом. С одной стороны, в нем воплощены все штампы киношных детективов, а с другой, он не расследует дело до конца, ведь его назвали «человеком, благодаря которому Норвегия может спать спокойно». Для Синнёве Макоди Лунд, сыгравшей Диану, это был актерский дебют. Она красива, женственна, но веет от нее каким-то холодом, безэмоциональностью. И непонятно, то ли это она так играет, то ли таковым задуман ее персонаж, то ли он просто не проработан.

Если оглядываться на фильм в целом, то, по сути, в памяти остается один Аксель Хенни, вокруг которого все крутится-вертится, об остальных актерах как-то забываешь, будто их не было, будто они лишние. Остается только поаплодировать Хенни, который тащит на себе всю картину и правильному выбору Мортена Тильдума.

«Охотники за головами» оставляет ощущение качественного триллера, с напряженной атмосферой – он держит и заставляет переживать за героя Хенни, на нем отдыхаешь и получаешь определенное удовольствие.

Александра Горелая.

«Охотники за головами/Hodejegerne»
Страна: Норвегия
Жанр: Триллер
Хронометраж: 98 мин.
Режиссер: Мортен Тильдум
В главных ролях: Аксель Хенни, Николай Костер-Вальдау.

В этом году исполнилось бы одному из столпов рок-н-ролла Бадди Холли 75 лет. Трагически погибший в возрасте 22 лет музыкант успел внести огромный вклад в развитие рок музыки. Записав свой первый альбом всего за 3 года до смерти — Бадди Холли успел написать огромное количество замечательных композиций, известных и популярных по сей день.
В 2004 по версии журнала Rolling Stone Бадди Холли получил 13 место в списке «Пятидесяти Величайших Артистов Всех Времен».
И когда, как не в год 75-летия, нам было ожидать трибьют-альбома с песнями Бадди Холли, исполненными известными и
не очень музыкантами. И такой альбом появился. Более того — их вышло даже два. Вот ты мы и попробуем сравнить
это два релиза друг с другом, внесем соревновательную составляющую.

Итак: Rave On Buddy Holly vs. Listen to Me: Buddy Holly

Естественно — что большое кол-во песен на обоих альбомах совпадают, и как раз эти пары я, абсолютно субъективно и сравню, чем и сделаю выбор победителя среди данных трибьют-альбомов. Схема следующая: Оригинал — трек с Rave On — трек с Listen To Me.

Пара номер раз: Crying, Waiting, Hoping

Ровная пара. Супруга Джека Уайта сделала из песни веселое кантри, старина Крис Айзек исполняет в своем стандартном ключе, что слушается тоже весьма недурно. Как и говорил — очень ровное исполнение, потому ничья, пол очка на пол очка.

Пара номер два: It's So Easy

Странная пара :) Пол Маккартни решил утяжелить вещь, примоднить, под конец вообще строя из себя Скримин Джея Хоукинска. Немного непривычно, но что то в этом есть. Творческий, новаторский подход, или, возможно, просто впал в детство :) А вот милашка Зоуи Дешанель (нравицца) пошла простым путем, так же как и Карэн Эллсон, сделала милую кантри-балладу. Итог — с небольшим перевесом, но Пол Маккартни. Счет: 1.5 на 0.5 в пользу Rave On.

Пара номер три: Everyday

Незатейливая вещь изначально, очень сложно придумать и сделать с ней что то сильно выдающееся. Главное — не испортить. Оба исполнителя с этой задачей справились на отлично — что обладательница Грэмми Фиона Эппл, что и бывший фронтмен Fall Out Boy. Опять же по моему субъективному мнению — чуть изысканней и интересней версия Патрика Стампа.
Счет: 1.5 на 1.5

Пара номер четыре: Not Fade Away

Модные Florence and The Machine действительно сделали полновесный кавер, кардинально изменив стилистику, добавив несвойственный Бадди Холли драматизм и мрачность. Местами это напоминает сольного Роберта Планта 2002 года. Интересно, своеобразно. А вот всем известная вокалистка Fleedwood Mac сделала проще, просто душевно перепела достаточно близко к оригиналу, что тоже здорово. Итог — Florence and The Machine чуть лучше за счет творческого подхода к вопросу. Счет: 2.5 на 1.5

Пара номер пять: Maybe Baby

Несмотря на простоту и легкость каверов — субьективно для меня лучше вариант вокалиста Train. Незнакомый мне Джастин Таунс Эрли — не впечатлил. Счет: 2.5 на 2.5

Пара номер шесть: Peggy Sue

Классический хит Бадди Холли. Лу Рид пошел по пути Пола Маккартни, утяжелив милую спокойную вещь, добавив психоделические нотки. О варианте сильно популярных сейчас Cobra Starship — сложно сказать что то, кроме как "душевно, мило и задорно". На мой взгляд — для данной вещи эти эпитеты подходят гораздо сильнее, чем мрачный меланхолизм версии Лу Рида. Видимо, творческий тандем с Металликой сильно повлиял на старину Лу. Итак — победила молодость.
Счет: 2.5 на 3.5

Пара номер семь: That'll Be The Day

Монстры инди-сцены Modest Mouse дали песне свое настроение, внесли в нее новизну, вещь стала звучать современно и актуально, но от Бадди Холли, на мой взгляд, остался только текст. Кантри-звезда Линда Ронстадт, наоборот, просто перепела. На мой же взгляд — достаточно бездушно. Потому — ничья в этой паре. Счет: 3 на 4

Пара номер восемь: True Love Ways

My Morning Jacket — крайне популярные у себя на Родине музыканты, сочетающие в себе инди- , фолк- , и даже, хард-рок, предстают здесь милыми, для полноты картины не хватает разве что doo-wop бек-вокала. Член зала славы рок-н-ролла Джексон Браун исполняет вещь тоже крайне похоже, тоже очень душевно и от всего сердца. Ничья.
Счет: 3.5 на 4.5

Пара номер девять: Well...All Right

Какой трибьют — да без Кид Рока! :) Дерзкий, веселый вариант Кид Рока — против почти классического кантри от признанной звезды жанра, бывшего мужа Джулии Робертс — кто же победит? Никто. Опять ничья — но не потому что оба варианта столь хороши. Нет, они оба достаточно проходные.
Счет: 4 на 5

Пара номер десять: Words Of Love

Сильная пара, тяжелая артиллерия. Достаточно близкие к оригиналу каверы, Патти Смит добавила атмосферности, Джефф Линн — беззаботности 50х. Вариант Патти мне очень нравится — но я выбираю Джеффа. Стилистически мне он ближе.
Счет: 4 на 6

Самая сильная пара — пара номер одиннадцать. Raining On My Heart

Долго сомневаясь, как вариант выбрать или остановится на ничьей — решил отдать пальму первенства Грему Нэшу. Бывший вокалист The Hollies, кстати названной так именно в честь Бадди Холли, сделал из милой сентиментальной вещи изумительную балладу, полную переживаний, светлой грусти. Ну и не буду скрывать — у меня есть личные мотивы. Данная версия стала в какой то момент времени крайне близка и связана с удивительными переживаниями в моей жизни.
Версия Эрика Айдла — веселый британский глум, и что еще было ожидать от одного из Монти Пайтонов :)

Счет: 5 на 6.

И в качестве бонусной, финальной схватки по две вещи, которые мне более понравились из тех — которые не имеют пары.
Две с Rave On, две с Listen to me.
Какая пара будет сильнее ?

Без вариантов — пара с Rave on Buddy Holly во главе с великолепными The Black Keys и столпом соула СиЛо Грином кладет на обе лопатки колдплееобразных вечномеланхоличных The Fray и неунывающего Ринго.
Счет: 6 на 6.

Итого — боевая ничья. На самом деле мне совсем чуть-чуть больше понравился Listen to Me: Buddy Holly, он менее затянут и более ровный, но оба альбома я переслушивал неоднократно и получаю огромное удовольствие.

Визуализация:

Щелкните здесь для просмотра встроенного видео.

До скорых встреч, друзья!

Михаил Кормышев

Данный мультфильм выгодно отличается от всех мультпродуктов Disney тем, что сохраняет свои традиции: все та же техника рисования, чистая грамотная речь, как раз именно та, которая должна звучать в детских фильмах и – великое счастье! — отсутствие 3D.

Пожалуй, технике рисования надо уделить особое внимание. Она чем-то похожа на картины Билибина в детских сказках: теплая, спокойная гамма, отсутствие резких линий, абстракции и сюрреализма. Взрослым же этот мультфильм будет интересен просто из-за созерцания красивых рисунков.

Сюжет прост, но в нем есть и мораль, и четкое разделение на «плохо-хорошо», и юмор, как это ни странно, без физиологических процессов и частей тела, а ведь ныне студия Диснея любит этим грешить. И что особо было приятно — озвучание. Настолько правильные тембры и голоса были подобраны, что не возникало сомнений в том, что Тигруля и Винни говорят именно так.

Так что уважаемы родители, братья, сестры, или просто любители классических диснеевских мультиков, с 25-го августа медвежонок Винни и его милые друзья ждут Вас в своем чудесном мире.

Неклюдова Карина.

Главным художником фильма выступил 58-летний ветеран студии Disney в области анимации, режиссуры и сценарного мастерства Барни Мэттинсон. В 1966 году он работал помощником аниматора на съемках первого фильма о Винни (МЕДВЕЖОНОК ВИННИ И МЕДОВОЕ ДЕРЕВО). Он выбрал три любимых рассказа Алана Милна, на основе которых и был снят фильм 2011 года. История «…в которой Ушастик теряет хвост» стала частью первого сборника рассказов Милна «Винни-Пух», вышедшего в 1926 году. Истории «…в которой Кролик очень занят» и «… в которой Кристофер Робин ведет всех к Северному Полюсу» публиковались во второй книге «Дом на Пуховой опушке», появившейся в 1928 году.

История создания фильма «Счастливые люди: год в тайге», одного из участников документального конкурса ММКФ, сама по себе напоминает сценарий художественного фильма. Причем, судя по всему, закончится он хеппи-эндом.

Жизнь человека в дикой природе – заведомо выигрышная тема для фильма. Режиссер Дмитрий Васюков прожил целый год вместе с охотниками в тайге, день за днем детально снимая повседневную жизнь этих людей. В итоге получилось 4 часовых фильма, иллюстрирующих особенности каждого времени года. В нашем урбанистическом мире материал уже по умолчанию должен был вызвать интерес. Но фильм, снятый еще в 2006 году, заметили лишь в узкой среде профессионалов-документалистов.

Спустя 4 года известный немецкий режиссер Вернер Херцог спонтанно приходит в гости к одному из своих знакомых в Лос-Анджелесе, когда тот смотрел «Счастливых людей» у себя дома. Впечатленный увиденным, он связывается с Васюковым и, добавив необходимые закадровые комментарии и сократив продолжительность до полутора часов, делает международную версию фильма. Далее фильм попадает на московский кинофестиваль, права на его показ покупает Первый канал, ведутся переговоры с рядом зарубежных телекомпаний, а сам Дмитрий Васюков едет снимать продолжение фильма про жизнь коренного населения уже в другом конце страны.

Несмотря на всю сказочность истории, фильм на самом деле достоин внимания. Главный его тезис – нужно рассчитывать только на себя самого. В тяжелых природных условиях это становиться еще более очевидно.

Хотя в итоге фильм получился весьма «легким» для просмотра. Одна из самых ироничных сцен, кажется, списана с «Дня выборов», но, к горькому сожалению, оказывается правдой: к берегу деревни Бахта, где и живут охотники, приплывает кандидат в местные депутаты и прямо с борта лодки устраивает небольшой концерт с участием миловидных певиц, а заодно и агитирует проголосовать за него. Нужно ли говорить, что до этого момента кандидата здесь за 4 года никто не видел?

«Никакого противопоставления нет, — лукавит в интервью журналистам Васюков. — Просто я попытался показать, что, с одной стороны, в Бахте каменный век, а с другой – не уверен, что они наше прошлое. Мне кажется, они наше будущее».

Станислав Грушевский.

Спектакль «Меловой крест» — как кухонный разговор: так же открыто и искренне о том, что волнует. В данном случае – нацизм. Его природа здесь показана в бытовом страхе, который пронизывает абсолютно всех. Настоящий животный страх за свою жизнь, когда ты даже не уверен – сдаст ли тебя твой же десятилетний сын, марширующий в гитлерюгенде, или нет. Четыре эпизода, четыре истории в разных семьях, которых объединило отчаяние перед окружающей их действительностью.

Еще одна характерная черта всех эпизодов – тотальное безмолвие. Место действия – кухня – выбрано осознанно, ведь именно здесь люди более свободны в своих суждениях. Не имея возможности где-либо еще выразить свои мысли, они откровенны на кухне, поэтому все диалоги в спектакле наполнены эмоциями и переживаниями.

Единственный убежденный нацист в постановке оказывается, как и следовало ожидать, молодым фанатиком, откровенным подонком с характерными для маниакального склада ума резкими перепадами настроения.

Возможность рассмотреть детально лица героев (постановка проходит в зале, рассчитанном всего на 20 человек) позволяет всем зрителям в полной мере убедиться в профессионализме актеров, обратить внимание на дрожащие скулы и другие незначительные жесты мимики. В связи с этим особенно запоминается Артем Смола, играющий одного из главных действующих персонажей.

Если говорить глобально, то тема нацизма всегда является актуальной в искусстве. «Мы должны помнить о том, что произошло, чтобы этого не случилось в будущем», — мысль, которую обычно используют при разговоре о нацизме, тот редкий случай, когда ее с одинаковой силой можно назвать банальной и при этом абсолютно верной. Между тем, нужно понять то, как такая бесчеловечная идеология смогла набрать столько сторонников. Понять и говорить об этом на языке искусства. Ведь именно это и будет лучшей гарантией «неповторения» нацизма.

В любом случае, режиссерский дебют Марии Павловской на театральной сцене с полным правом можно назвать успешным. Сама Мария ставит перед собой следующую цель: «Я хочу, чтобы зритель весь спектакль чувствовал себя несвободно. Я пытаюсь загнать его в атмосферу сильнейшего напряжения. Тогда, выйдя из зала, он сможет почувствовать и оценить ту свободу, которой обладает». И эта цель, несмотря на некоторую ее пафосность, достигнута.

Грушевский Станислав.

Вы могли не смотреть картину «Мужчина и Женщина», но знаменитую мелодию наверняка знает каждый! Нестареющая музыка Франсиса Лея (Francis Lai) создала невероятную атмосферу любви и нежности. Это тот редкий случай, когда музыка является не просто фоном, в «Мужчине и Женщине» музыка существует отдельно, она играет заглавную роль, она ведёт главных героев навстречу друг другу.

Сюжет фильма довольно прост: Анна Готье (актриса Анук Эме) и Жан-Луи Дюрок (актёр Жан Луи Трентиньян), встретились у порога пансионата, где учатся их дети. Месье Дюрок любезно подвозит Анну до дома. И вот мы становимся свидетелями их знакомства. Анна рассказывает про своего мужа-каскадёра. Она говорит с восхищением и обожанием и перед нами мелькают кадры их совместной жизни, муж поёт ей о любви, и мы видим, как они счастливы… семейная идиллия! И вдруг выясняется, что муж погиб на съёмках!

Воспоминания Анны показаны в цвете. Несмотря на то, что фильм чёрно-белый, режиссёр специально сделал такой акцент, чтобы зритель проникся к чувствам Анны и понимал, что для неё он всё ещё жив.

Далее мы узнаём трагическую историю Дюрока. У него, как и у мужа Анны, рисковая профессия — автогонщик. Когда он попал в аварию на трассе, его жена не смогла вынести мысли о том, что он на грани жизни и смерти и покончила с собой.
И вот эти два мира, два «раненых» человека, которым жизнь даровала высший миг блаженства и так жестоко вырвала его у них, начинают тянуться друг к другу.

Анна, терзаемая внутренними противоречиями, всё-таки решается сделать шаг. Она присылает в Монако, где празднует победу в гонках команда Дюрока, телеграмму «Я Вас люблю». Дюрок мчится в Париж, по дороге прокручивая в голове всё, что он ей скажет. Он явно удивлён и поражён её смелостью. И вот долгожданная встреча! Он и Она сливаются воедино. Но на Анну вновь обрушиваются воспоминания о муже, которые мучают её и вынуждают уехать. Жан Луи малодушно отпускает её, но вскоре, поняв, что это ЕГО женщина мчится на станцию, куда должен прибыть поезд. Встретившись вновь на перроне, Мужчина и Женщина бросаются в объятья друг друга! Финал остаётся открытым и дальнейшая история Анны Готье и Жана Луи Дюлака отдана на откуп зрителю.

«Мужчина и Женщина» — это история не первой любви.
Фильм, по которому некогда сходил с ума весь Советский Союз, и по сей день не теряет своего шарма и обаяния. Фильм, который сразу стал классикой и принёс режиссёру Клоду Лелушу всеобщее признание и увековечил его в «зале славы» мирового кинематографа.

И эта простая история о Мужчине и Женщине покорила сердца миллионов людей, стала культовой и была отмечена двумя «Оскарами». Ни в одном фильме вы не увидите столько крупных планов; Трентиньян и Эме настолько гармоничны и натуральны, что язык не повернётся назвать это «актёрской игрой». Это жизнь, которую они сумели прожить кадр за кадром и в которую даже самый притязательный зритель безоговорочно верит. «Мужчина и Женщина» — это картина, которую нужно посмотреть каждому, чтобы знать, что такое хорошее кино!

Северина Анкер

Клэр, доселе никогда не выходившая замуж, и Филипп, вдовец, любят друг друга. Они находят друг в друге то, что искали всю жизнь, играют свадьбу, и, вроде бы, ничто не мешает их счастью. Но они оба больны, и если Филипп выздоравливает, то память, рассудок и сознание Клэр постепенно распадаются. Чтобы не забывать самое главное, Клэр записывает определённые вещи в блокнот, чтобы потом вспомнить о них и не забыть...

Это один из самых трогательных фильмов о любви в истории кино.

В ролях: Изабелль Карр, Бернар Кампан, Бернар Лекок, Доминик Пинон, Анн Ле Ни, Бруно Абраам-Кремер, Франсуа Леванталь.

Режиссёр: Забу Брейтаман.

В эфире: 30 июля, 20:45 — 22:30.

«Хористы» — фильм-дневник учителя, который не состоялся как музыкант и нашел работу воспитателем в интернате для трудных подростков. У меня лично при словосочетании «трудные подростки» возникали картинки эдаких четырнадцатилетних бандюг, сплевывающих на пол и с окурками в зубах, но в фильме такой был всего один, а остальные — просто либо заброшенные, либо очень уж непослушные дети. Директор пользовался в основном жесткими методами, что только ухудшало положение.
И вот новый учитель начал, как мог, искать к ним подход. Два главных средства — спорт и музыка, и на музыке особый упор.

Хор. Никто не мог поверить, но неуклюжий лысоватый Клемент Матье заинтересовал этих ребят пением и даже нашел одного гения. Дальше, разумеется, начинаются драматические препятствия, но все в конечном итоге заканчивается хорошо.

Конечно, все знают, что так не бывает. Что добро не побеждает зло. Но в эти два часа экранного времени добро зло действительно победило, да так, что на глазах слезы, а в душе немного светлее, чем было до этого. А также добро побеждало зло еще много-много часов экранного времени по всему миру, так как фильм прошел по миру с огромным успехом, взяв Оскар за лучшую песню.

Заслуга всех — режиссер отлично, актеры отлично, дети актеры совершенно потрясающе. А музыка Бруно Кулэ и хор Petits Chanteurs de Saint-Marc, исполнивший все песни в фильме, сами по себе наполучали кучу званий и наград. Главного солиста хора играет настоящий солист этого хора, замечательный мальчик Жан-Батист Монье.

А актёр и сопродюсер картины Жерар Жюньо, чтобы помочь финансированию проекта, был вынужден заложить свои парижские апартаменты. Такой крайний шаг полностью оправдался и его итоговый гонорар как актёра и продюсера превысил 5 миллионов евро, сделав его самым высокооплачиваемым французским актёром в 2004 году, впереди таких звёзд как Жан Рено и Жерар Депардье.

Фильм замечательный, тонкий, из тех, про которые говорят «с душой». Искренне рада советовать его всем и каждому.

Александра Александрович

http://beatgene.livejournal.com/356691.html

]]> http://wecherom.ru/les-choristes/feed/ 0 http://wecherom.ru/moon/ http://wecherom.ru/moon/#comments Fri, 26 Mar 2010 20:54:44 +0000 Editor http://wecherom.ru/?p=2295

После первых трех минут просмотра возникает стойкое ощущение 2001 Одиссеи Кубрика, которое потом ослабевает — этот фильм несколько о другом — но вдохновлялся Дункан Джонс именно Одиссеей, несомненно. Он даже снимал его при помощи схожих технологий — миниатюрных моделей, а не компьютерной анимации. 42 года прошло, а суть все та же.

Именно поэтому до самых последних кадров я побаивалась робота Герти с его смайликами и все ждала его трансформации в Кевина Спейси, который этого самого Герти, судя по титрам, играл.

Что получилось в итоге, трансформировался ли Кевин Спейси и оправдал ли мои опасения Герти — рассказывать не стоит, в «Луне» удивление — это необходимая компонента восприятия.
Пару общих только слов — астронавт Сэм Бэлл в 2112 году находится на Луне уже 3 года и собирается в скором времени возвращаться домой на Землю к жене и дочке, так как истек срок его контракта. Но начинают происходить всякие странности. И еще полтора часа эти странности неторопливо происходят под медитативно-лунную музыку.

В сюжете, в идее, в воплощении нет ничего гениального, ничего принципиально нового или сверхоригинального. Есть только все очень хорошее — очень хорошая актерская игра, очень красивая картинка, очень приятная атмосфера.
Не новое слово в кинематографе, конечно, но вполне достойная кубриковско-бредберианская киновещица.

Александра Александрович
http://beatgene.livejournal.com/336361.html

В 1962 году СССР отрядил на Кубу лучших из лучших того времени для создания пропагандистского фильма о гордой революционной Кубе и подлой буржуазной Америке — режиссера Михаила Калатозова, оператора Сергея Урсуевского, сценариста Евгения Евтушенко. И не ограничили их в бюджете.
А молодые таланты, вместо того, чтобы углубиться в коммунистические революционные дебри, оторвались на полную и сняли фантастически красивый фильм-оду о Кубе, даже не сняв там Фиделя. Зато сняв множество простых кубинцев.
Результат заказчика разочаровал — поругались и запихнули фильм на полку. И только потом, в 90-х, его «нашли», отреставрировали и показали за рубежом. После чего он несколько с опозданием получил свои награды, вошел во все рейтинги и стал пособием для начинающих операторов во всем мире.

И хотя везде написано много красивых слов исключительно об операторском искусстве — это не просто демонстрация таланта Урсуевского, это цельное произведение, пусть немного наивное и пафосное (госзаказ, 1964 год, не стоит забывать), но талантливое до жути. И американцы получились не такими уж страшными, малоприятными, конечно, но не настолько, насколько того хотело правительство СССР. И повышенный реализм тут совершенно ни к чему — это же ода, это же фильм-стихотворение по настроению. Как же еще его снимать?

Скажу все-таки несколько слов о картинке — хотя есть куда более профессиональные мнения. Я вообще ничего в операторском деле не понимаю, но это прекрасно и без глубокого понимания. Широкоугольная ручная камера, которая везде ходит, везде залезает, вдруг взлетает, вдруг падает, уходит под воду. Вернее, там целые премудрости с системой камер и кранов, инфракрасной съемкой и т.д. Долгими протяженными сценами. Невозможно описать, но некоторые сцены просто вынимают душу только тем, как они сделаны. Танец проститутки, яростная рубка тростника, разгон демонстрации водой из шлангов. Я нигде еще не видела такой техники.

Комментарии на просторах сети (gumgodo ) «Ага, значит это были подвешенные рельсы... А мне представлялась такая, знаешь, роботическая вытягивающаяся на несколько километров рука =) И она же, только в другом режиме, как сумасшедшая крутила камеру во все стороны, когда он там по крыше метался. Я даже думал, что Урусевский продал душу дьяволу, а он ему за это такую руку подарил =) Но, все-таки, он — от бога, конечно.»

От Бога, да. Мне кажется.

И еще. О многом говорит тот факт, что реставрировать фильм по собственной инициативе решили не кто-нибудь, а Мартин Скорсезе и Френсис Форд Коппола. И благодаря им, мы имеем то, что сейчас доступно на dvd и в сети, любой может посмотреть, стоит только мышку протянуть =)

Александра Александрович
http://beatgene.livejournal.com/331725.html

Попытки поместить его в рамки какой-либо профессии обречены на провал, потому что Юрский уже давно представляет собой отдельный культурный феномен.

В первую очередь Юрский – киноартист. Он сыграл около пятидесяти ролей, и даже если взять его недавние роли, диапазон героев будет внушительным: он сыграл учёного Циолковского в фильме «Королёв», Василия Базарова – отца тургеневского нигилиста в «Отцах и детях», а также Александра Бродского, отца Иосифа – великого поэта и своего друга. Но при этом массовому зрителю Юрский, конечно же, знаком в основном по ролям Остапа Бендера, мэтра Роше и Ивана Груздева – и в этом нет ничего позорного для артиста. Ведь Юрский не слился с образом Остапа или мэтра, а наоборот – невзирая на неоднократные попытки, никто лучше Юрского великого комбинатора не сыграл, а представить другого Груздева или мэтра Роше просто невозможно. То есть это не Юрский равен Бендеру, а Бендер может быть только Юрским.

Даже одна из вышеперечисленных ролей украсила бы послужной список любого артиста. Но Юрский на этом не заканчивается, наоборот – только начинается. Помимо кинокарьеры, он много работает в театре, где играл и продолжает играть в спектаклях по Гоголю, Достоевскому, Грибоедову, Чехову, Булгакову. «Юрский – блистательный артист, место которого в том ряду, где Мочалов, Щепкин», — сказал недавно о юбиляре режиссёр Владимир Меньшов.

Юрский также кинорежиссёр и сценарист. Двадцать лет назад на экраны вышел фильм «Чернов/Chernov», поставленный им по своему сценарию. Эта сложная картина о лжи и обмане, не рассчитанная на массового зрителя и основанная на раздвоении личности главного героя, не стала самым громким успехом Сергея Юрского, однако «Чернов» явил нам ещё одну грань его таланта. Жаль, что после этого он больше не снимал кино.

В его активе также театральные постановки – в частности, он недавно, после длительного перерыва, возобновил свой спектакль по пьесе Эжена Ионеско «Стулья». В этом спектакле играет он и его жена Наталья Тенякова. Кстати, вряд ли кого удивит (или удивил ранее) факт, что перевод пьесы с французского языка осуществил сам Юрский.

Вот мы и подобрались к литературе и связи с ней сегодняшнего юбиляра.

«Слышал(а), как Юрский читает Пушкина (Бродского) – это потрясающе», – так высказываются почти все, кто слышал, как Юрский... нет, не произносит (слишком простое слово), не читает (слишком безлико), не декламирует (слишком пафосно)... скорее, живёт – да, живёт в поэтическом пространстве своих любимых авторов. Сегодня, пожалуй, уместно будет вспомнить и послушать, как Юрский читает стихотворение «Театральное», написанное Бродским и посвящённое ему – Юрскому. Да простят читатели автора заметки за случайную рекламу, но послушать это можно тут.

А ещё Юрский — эссеист и писатель, причём не мемуарист (хотя книгу воспоминаний – «Игра в жизнь» – он тоже написал), а настоящий писатель и настоящий эссеист. В книге «Всё включено», вышедшей в 2009 году, Юрский представил две повести, несколько рассказов и три эссе, в которых он, через театральную призму, размышляет о природе вещей (то есть о предметах быта), о власти, творчестве, свободе и многом другом. Не все тезисы Юрского одинаково бесспорны, но он высказывает свою аргументированную позицию, которую следует уважать.

Согласитесь, после всего этого причислять Юрского к одной из профессий положительно невозможно. Если уж есть нужда коротко его представить, то лучше всего это сделать так: Сергей Юрский, человек искусства. Ибо если не его так называть, то кого?

В том, что у него ещё масса творческих идей, сомневаться не приходится, поэтому в день его 75-летия пожелаем Юрскому много здоровья, бодрости и оптимизма, чтобы самому радоваться жизни и радовать почитателей своего великого таланта.

Ведь недаром Бродский сказал в стихотворении, посвящённому сегодняшнему юбиляру:

Я — просто буква, стоящая после Ю
на краю алфавита.

Григорий Аросев
g.arosev@rambler.ru

Маленькая бродячая труппа доктора Парнаса, помимо него состоящая из его юной дочери Валентины, Антона, молодого помощника Парнаса, влюблённого в Валентину, и карлика Перси, путешествует по городу. На улицах они раскидывают шатёр с «воображариумом» – зеркалом-дверью, войдя в которое, любой человек попадает в мир своих фантазий, в идеальный мир. Однако совершенно идеальным он является лишь первый взгляд, поскольку дальше может случиться что угодно. Всё меняется (и сложно однозначно сказать, в какую сторону), когда к труппе присоединяется Тони, лишь чудом избежавший смерти, от которой его спасли Валентина и Антон.

Тема безграничности человеческого воображения – одна из ключевых в творчестве 69-летнего Гиллиама, за свою жизнь снявшего немало полнометражных мультипликационных фильмов и фильмов-сказок. В «Воображариуме доктора Парнаса» режиссёр, безусловно, не «закрывает» эту тему, но раскрывает её максимально полно – с использованием всех мыслимых технологий, но при этом не превращая фильм в ярмарку возможностей компьютерных программ.

В связи с этим многие (если не все), посмотревшие и «Воображариум», и «Аватар», поневоле начинают сравнивать два фильма, так как «нарисованные» миры в обоих картинах впечатляют воображение (да-да, именно его) зрителей. Но, попытавшись сравнить, мы сталкиваемся с очевидным фактом – нельзя воспринимать картинку в отрыве от содержания, а точнее – от характера сюжета. В «Аватаре» притчевость выпирает слишком очевидно, но иначе быть не может – тема заявлена предельно важная и серьёзная, чтобы (особенно при таких затратах) рисковать и прятать главную идею за ширмы экивоков. Поэтому у Джеймса Кэмерона мир Пандорры в целом очень похож на наш мир, хоть и выписан с потрясающей скрупулёзностью. В фильме Гиллиама же нет ни политики, ни социальных проблем, а есть только игры... ...нет, не разума, а фантазии, воображения, даже сновидений. А значит – безграничная свобода, которую режиссёр тем не менее держит в нужных пределах, потому что самое главное он говорит не спецэффектами, а устами героев – а чтобы к ним прислушиваться, зрителям надо всё-таки вовремя возвращаться из Воображариума.

Многим уже известны подробности трагедии, произошедшей во время съёмок фильма – Хит Леджер, исполнитель роли Тони, был найден мёртвым в своей квартире. Чтобы не отменять съёмки, был придуман не самый стандартный ход, когда персонаж под воздействием определённых обстоятельств меняет свою внешность, что позволило роль Тони сыграть ещё трём знаменитым артистам – Джонни Деппу, Джуду Лоу и Колину Фарреллу. Образ от этого не пострадал нисколько, а наоборот, приобрёл дополнительные краски (хотя лучше бы Леджер остался жив и сыграл бы эту роль полностью сам), но из-за этого «многоголосья» от оценок актёрской работы четырёх артистов лучше воздержаться – уж очень неодинаковые вклады внёс каждый из них в успех роли. Если коротко – все молодцы.

Валентина в исполнении Лили Коул, а также Антон (Эндрю Гарфилд) неплохо смотрятся на общем фоне, но вряд ли эти роли войдут в число их лучших.

Парнаса предостойно сыграл Кристофер Пламмер, недавно отметивший 80-летний юбилей. У него была сложная задача – сыграть старого мудрого волшебника с длинной бородой. Немного попахивает Гэндальфом в исполнении Иэна МакКеллена, хотя Парнас, в отличие от Гэндальфа, почти постоянно терпит неудачи. Пламмеру удалось показать это без чрезмерного нагнетания, но и одновременно сохраняя зрительское уважение к своему персонажу.

Карлика Перси играет Верн Тройер – один из самых низкорослых людей в мире. Благодаря своему росту он в кино всегда приметен, и ему, как в анекдоте про одну из певиц, для признания публики достаточно просто «ходить туда-сюда». «Воображариум» – не исключение.

Но безусловное украшение фильма – Том Вэйтс в роли мистера Ника — дьявола (cм.вторую иллюстрацию). За всю историю кинематографа дьявола переиграло несчётное количество артистов, и было бы преувеличением заявить, что «такого дьявола мы ещё не видели». Может, такого же и видели. Но факт в том, что лучшие сцены фильма, это когда уточнённый мистер Ник, покуривая сигарету в мундштуке, ведёт неспешные беседы с Парнасом. Это не разговоры добра и зла – всё отнюдь не так просто. Это вечные столкновения простодушия и хитрости, страданий и жестокости, любви и холода. Вэйтс великолепен в роли хитрости, жестокости, расчёта и холода, которых олицетворяет мистер Ник.

Неизвестно, какая прокатная судьба ожидает «Воображариум». Очевидно также, что, даже если его и выдвинут на «Оскара», этот фильм, как и все другие, с треском проиграет «Аватару». Однако всем создателям «Воображариума доктора Парнаса» следует иметь в виду принцип, исповедуемый великими спортсменами – соревноваться надо с самим собой, с собственными результатами. С этой точки зрения и Терри Гиллиам, и продюсеры, и все артисты могут быть собою довольны – во время просмотра фильма волей или неволей начинаешь задумываться, а как выглядит мой воображаемый мир? Ведь кто знает, вдруг завтра на улице наткнёшься на волшебный балаган доктора Парнаса.

29.01.2009

Об авторе.
Григорий Аросев (1979, г. Москва) — театровед, журналист, писатель. Окончил ГИТИС. Работает на телеканале «Культура», шеф-редактор студии художественного кинопоказа, а также в ИТАР-ТАСС. Сотрудничает с рядом московских изданий.

Если у вас есть вопросы по поводу опубликованных статей, вы можете их задать автору, написав по адресу g.arosev@rambler.ru

В центре внимания — семья Мосс. Идёт рассказ о главе семейства, мистере Моссе (дети его называют «Дадда»), и о его детях — сёстрах Айрис, Мэй и Руби и брате Билли. Во время Первой мировой войны, недавно завершившейся, погиб Уолтер, ещё один брат, а незадолго до событий, разворачивающихся в фильме, умерла и хозяйка дома — жена Мосса, мама их детей. Герои «Лилий» живут в маленьком городе, но их захлёстывают отнюдь не маленькие страсти и переживания.

Моссы — не ангелы, они тоже иногда ошибаются, ссорятся друг с другом, совершают не лучшие поступки, они радуются и огорчаются, смеются и плачут. Они — живые, они — настоящие, искренние и тонкие. Как цветы лилии.

В главных ролях: Кэтрин Тилзли, Линн Роу, Кэри Хейз, Дэниэл Ригби, Брайан Маккарди и др.

Режиссёры: Д.Мур, Ф.Фэрфакс, Р.Голдби, Б.Келли.

В эфире: 26, 27, 28, 29 января, начиная с 23:55.

Все вопросы о фильме можно задать в ЖЖ-сообществе про кино на телеканале «Культура». Там же можно читать аннотации к каждой из серий.

После этих четырёх слов, по идее, нужно поставить точку и не писать ничего. Для усиления эффекта можно вставить его фото. Лишних слов не нужно по простой причине: те, кто знают о Вэйтсе, без сомнения, с удовольствием либо сами поднимут рюмку-бокал какого-нибудь спиртосодержащего напитка, либо мысленно присоединятся к «тостующим». А те, кто не знают, вряд ли смогут оценить, за кого мы сегодня выпьем.

Том Вэйтс сопровождает во время бессонных ночей, когда спать не хочется и не можется – грудь распирает от чувств, которые формулировать словами мужчине не к лицу.

Том Вэйтс утешает утром, когда голова гудит с похмелья, или вставать не хочется, потому что на работе дерьмо, любимая женщна обиделась и уже сутки не звонит, а в кармане – шиш без масла. Пусть сегодня на небе серость, говорит Том, а завтра будут лишь слёзы, подожди, вдруг вернётся вчерашний день.

Том Вэйтс несётся в соседней машине, когда быстро скользишь по ночному шоссе, и подмигивает тебе, перед тем, как свернуть на второстепенную дорогу, предупреждая – не садись за руль, будучи мёртвым.

Том Вэйтс призраком возникает за спиной у пухлого телевизионного профессора, с умным видом говорящего об очередной задержке весны, и прямым текстом заявляет: врёшь, мол, ты всё, уважаемый, кто ж способен удержать весну?

Сегодня ему шестьдесят. Нельзя сказать – «а не дашь». Том не заигрывает с возрастом. Всё, что он может выразить в своей лирике и музыке – следствие жизни, которую он проживает (и дай Бог, чтобы она длилась ещё столько же). Вэйтс пришёл в русскоязычную среду далеко не сразу, уже будучи вполне себе зрелым человеком и состоявшимся музыкнтом, но как раз благодаря этому, почти каждый его почитатель может сказать волшебную фразу: «Слушаю Вэйтса, сколько себя помню...»

Нет никакого резона сейчас перечислять его альбомы, награды, фильмы и прочее – интернет в помощь интересующимся. Знающим творчество Вэйтса никаких дополнительных аргументов не нужно. А если же эту заметку прочитал некто, ничего не знающий о Томе Вэйтсе, добрый совет: поищите какие-нибудь его записи (благо, сервисов, позволяющих это сделать, сейчас хватает). Вам понравится.

Постскриптум. Автору этой заметки всегда особо по душе была песня «Telephone call from Istanbul» («Телефонный звонок из Стамбула»). Очень символично, что вышеприведённый текст написан именно в этом городе.

В конце ноября в России начнётся продажа русского перевода последнего романа Владимира Набокова – «Лаура и её оригинал» («The original of Laura»). Это – официальный перевод названия. Ранее книга упоминалась как «Подлинник Лауры» или «Оригинал Лауры».

Обложка англоязычного издания романа

Набоков интриговал читателей всегда. Он придумывал поэтов, чьи произведения «переводил» (на самом деле – сочинял сам). Он сам комментировал свои труды, выдавая комментарии за чужие. Он многократно зашифровывал собственное имя в латинском написании, вводя персонажей с причудливыми именами в свои романы (таким образом появились загадочные Adam von Librikov, Vivian Darkbloom, Baron Klim Avidov и другие). В англоязычном рассказе «Сёстры Вейн» он из первых букв слов в последнем абзаце составил отдельную фразу, и, естественно, отнюдь не в сноске к тексту предупредил читателей о том, чтó там спрятано (колоссальная работа для переводчика – адекватно перевести такой абзац). Неудивительно, что последний, незавершённый роман Набокова обернулся самой длительной мистификацией. «Что за „Подлинник Лауры“, о чём он?» – долгие-долгие годы недоумевали набоковеды-любители. И лишь избранные набоковеды-профессионалы, близкие к семье писателя, тихонько посмеивались в усы – они-то знали, о чём этот роман, пусть и неоконченный. И понимали, хотя бы примерно, как долго нужно выдержать паузу, чтобы максимально подогреть интерес читателей. Набоков как автор существует вне моды и конъюнктуры – к счастью, он всем всё доказал ещё задолго до своей смерти в 1977 году. Однако сейчас общий ажиотаж вокруг Набокова, по крайней мере в России, немного поутих. И самое время его слегка возродить.

Новый роман – очень привлекательная «ловушка», а роман, издаваемый якобы против воли самого Набокова – вдвойне привлекателен. Запретный плод сладок, покопаться в черновиках писателя хочется всем читателям и так далее. Но здравая доля скепсиса, выраженная в настоящей заметке словом «якобы», всё равно присутствует. Можно задать много вопросов о судьбе «Подлинника Лауры», но ограничимся одним: если Набоков так не хотел публикации своего последнего романа, и завещал уничтожить рукопись (точнее, карточки, на которых Набоков всегда писал свои произведения), почему он этого не сделал сам? Несомненно, на этот вопрос можно получить идеально гладкий ответ от набоковедов. Только вдругорядь употребим слово «якобы» – это будет якобы гладкий ответ. Потому что истинные намерения Владимира Набокова знал лишь он сам, его жена Вера, и, возможно, его сын – Дмитрий, ныне здравствующий. Хотя, если согласиться с предположением, что Набоков вовсе не запрещал публиковать «Подлинник Лауры» и не призывал его уничтожать, возникнет другой вопрос, не менее резонный: зачем же нужно было ждать тридцать два года до уже-почти-произошедшей публикации, если ровно десять лет назад, в 1999 году, был отличный повод для публикации – столетие писателя?

Владимир Владимирович Набоков как бы говорит нам — ещё неоднократно я вас помистифицирую

Однако, как бы то ни было, публикация последнего романа Набокова выгодна всем со всех возможных сторон. Творчество Набокова в массовом восприятии сверкнёт ещё одной гранью. Оно же, творчество, приобретёт завершённость для исследователей, ранее не имевших доступа к рукописям писателя. «Подлинник Лауры» принесёт определённую материальную выгоду Дмитрию Набокову, переводчикам, издателям, периодике, а в дальнейшем, не исключено, телевизионным и кинопродюсерам, режиссёрам, артистам. В конце концов, на нашем сайте появится заметка об этой книге. Ради всего этого можно ведь пожертвовать волей покойного писателя. Ибо не факт даже, что она была.

18.11.2009

Об авторе.
Григорий Аросев (1979, г. Москва) — театровед, журналист, писатель. Окончил ГИТИС. Работает на телеканале «Культура», шеф-редактор студии художественного кинопоказа, а также в ИТАР-ТАСС. Сотрудничает с рядом московских изданий.

Если у вас есть вопросы по поводу опубликованных статей, вы можете их задать автору, написав по адресу g.arosev@rambler.ru

Иллюстрации с сайта www.aquarium.ru

Впрочем, «новый» – весьма условное определение, потому что пластинка состоит в том числе из песен, ранее не входившие в официальные альбомы «Аквариума», хотя и звучавших во время концертных выступлений группы (к примеру, так называемого интернет-альбома «Молитва и пост») и лично Бориса Гребенщикова. Альбом очень радует аранжировками и глубиной звука – тем, что всегда было фирменным знаком «Аквариума». Но в этот раз, кажется, музыканты и звукорежиссёры вышли на иной уровень даже по сравнению с прошлой пластинкой «Аквариума» – «Лошадью белой» (декабрь 2008 года).

Альбом открывается двумя безусловными хитами – «Вперёд, Бодхисаттва» (это – единственная песня в альбоме, написанная не Гребенщиковым, а Майком Науменко) и «Как стать Таней». Последовательность неслучайна – «Вперёд, Бодхисаттва» призывает идти вперёд не только своим текстом, но и музыкой –близкий российским сердцам рок-драйв (под такой хочется не танцевать, а гнать по шоссе с максимально разрешённой скоростью) с классическими вступлением и проигрышами. Первые же строки, подчёркнуто «майковские», настраивают на нужный лад: «Cидели с другом и пили вино // Занимались этим делом довольно давно». А в конце куплета ожидаешь появления одного из ключевых вопросов русской песенной культуры – «Где и с кем ты провела эту ночь, моя сладкая N.?», однако тут-то мы и узнаём, куда нас призывает Гребенщиков: «Вперед, Бодхисаттва — нам с тобой пора в магазин». Кстати, Бодхисаттва – тот, кто решил достичь просветления.

За «Бодхисаттвой» следует весёлая, мягкая и очень мелодичная «Как стать Таней», которая просто приговорена к успеху ввиду запоминающихся строчек – «...Я учусь быть Таней, возвращаюсь каждый вечер к утру. // Если я стану Таней, то меня не достанет даже NKVD [dot] RU». Своей концептуальной простотой (но не аранжировкой!) «Таня» напоминает знаменитые «Стаканы» и «Что нам делать с пьяным матросом». Почти все Татьяны будут очень довольны.

Иллюстрации с сайта www.aquarium.ru

Некоторые песни претерпели изменения не только музыкальные, но и поэтические. С песней «Мария» произошла самая забавная трансформация. В версии «1.0», которая циркулирует уже добрую пятилетку, есть следующие слова: «На палубе танцы, в трюме дыра пять на пять, // Капитан в экстазе, ему кто-то намекнул, что он – бл*дь». А в альбомном варианте вторая строчка звучит так: «Капитан где-то здесь, никто не знает, как его опознать». Этим эпизодом Борис Гребенщиков ещё раз подтвердил, что он – хозяин своего слова, и написанное пером можно легко и элегантно подрихтовать им же – пером.

Светлая композиция «Два поезда» (которая в «Молитве и посте» называлась красивее – «Влюблённые в белом купе», по первой строке самой песни) добавляет романтики альбому, а «Обещанный день» финальным четверостишьем: «Господи, я Твой, я ничей другой; // Кроме Тебя, здесь никого нет. // Пусть они берут всё, что хотят, // а я хочу к Тебе — туда, где Свет» и названием, и текстом удивительным образом перекликается с последней песней альбома – «День радости». Там Гребенщиков говорит: «Это ж, Господи, зрячему видно, // А для нас повтори: // Бог есть Свет, и в нём нет никакой тьмы».

Вот и выходит, что альбом начинается с призыва идти в магазин, а заканчивается не заумным, но очень искренним и точным размышлением о Создателе. БГ неоднозначен (кого-то шокирует такое сочетание, кому-то просто не понравятся некоторые песни), скорее даже – многозначен, но предельно честен и профессионален.

Невозможно подсчитать, сколько песен написал и выпустил «Аквариум» с 1981 года. Много! Человеку, знающему большинство из них (как автору этой заметки), неизбежно приходят в голову те или иные ассоциации с предыдущими работами группы – похожие мелодии, знакомые мотивы. Но вступать на этот путь – занятие бесцельное и опасное, ибо можно увлечься и скатиться в самолюбование – вот, мол, какой я проницательный, там услышал то, а тут подметил это. Поэтому ограничимся нейтральной констатацией – да, иногда в песнях с «Пушкинской, 10» звучат мотивы из иных – давних или недавних – песен Бориса Гребенщикова, однако это никакого значения не имеет, поскольку слушать новый диск «Аквариума» – одно удовольствие. И вам желаем его получить.

Об авторе.
Григорий Аросев (1979, г. Москва) — театровед, журналист, писатель. Окончил ГИТИС. Работает на телеканале «Культура», шеф-редактор студии художественного кинопоказа, а также в ИТАР-ТАСС. Сотрудничает с рядом московских изданий.

Если у вас есть вопросы по поводу опубликованных статей, вы можете их задать автору, написав по адресу g.arosev@rambler.ru

За окном – 1987 год. К этому моменту Кейв со своей группой «The Bad Seeds» успели выпустить четыре альбома, в каждом из которых были безусловные шедевры. Поэтому неудивительно, что даже в перестроечном Союзе нашлись те, кому постпанковская музыка Кейва пришлась по душе.

С тех пор прошло двадцать два года и Ник Кейв в третий раз приезжает в Россию. В первый раз, в июле 1998 года, это был шок, обморок и восторг – потому что в доинтернетовскую эпоху видеть того, за чьими записями (повезёт, если на компакт-дисках, чаще всего это были аудиокассеты!) гонялись по городам и странам – это ли не воплощение настоящей мечты любителя музыки! И Ник Кейв оправдал ожидания – знаменитая, ныне почившая «Горбушка» видала, конечно, концерты и похлеще, но московская публика была счастлива.

После концерта в «Горбушке» прошло шесть лет. Ник Кейв выпустил три альбома, неоднозначно воспринятые во всём «кейвоманском» мире. Вообще-то с момента выхода знаменитых «Murder Ballads» (для тех, кто не в курсе: именно на этом альбоме Кейв спел с Кайли Миноуг свою песню про дикую розу, ставшую популярной во всём мире) слышались кряхтения: «Эх, а Кейв-то уже не тот!» Конечно, не тот. Один и тот же музыкант в 1988 году и в 2001 году не может быть одинаковым и «всё тем же». А вкусы разнятся. Но факты остаются – на двух из упомянутых трёх альбомов Кейв был значительно «благообразнее» и спокойнее, чем раньше. Хотя иногда он и взрывался на старый лад (взять хотя бы четырнадцатиминутную «Babe, I'm on fire»), общая тенденция была однозначной – старина Кейв остепенился.

И тут настал год 2004-й, когда по Москве расклеили афиши: «Ник Кейв, соло-программа». При виде места проведения концерта вытаращили глаза, рискну предположить, все – Московский театр Оперетты. Как можно слушать ЭТУ музыку, сидя? – недоумевали те, кто помнил «Горбушку» или был на давних концертах в других городах. Оказалось, можно. И не только слушать, но и петь: когда Ник Кейв, сотрясая рояль, исполнял свои огненные песни, даже не думая вскочить, опрокинуть стул или просто что-нибудь выкрикнуть не по плану, стало ясно, что прежнего Кейва нам не видать.

Фото с сайта www.nickcave.ru

Прошло ещё пять лет (хотя на концерте в театре Оперетты Кейв обещал снова приехать через два года), за это время певец выпустил с новой группой «Grinderman» одноимённый альбом, не вызвавший особого восторга, а также альбом «Dig!!! Lazarus, Dig!!!». И вот при прослушивании альбома про Лазаря, который должен копать, и возникла робкая надежда, что, может, Кейв «воспрянет», хотя тогда (при выходе альбома) о третьем пришествии Кейва в Россию речи не было. В этом альбоме было очень многое от прежнего Кейва. А когда было объявлено, что в гастрольный тур Кейв отправится не с усечённым вариантом состава (как было на соло-выступлении в 2004 году), а с полным коллективом «The bad seeds» (пусть и без покинувших группу «отцов» – Бликсы Баргельда и Мика Харви), надежды начали питать юношей и девушек изо всех сил. И надежды переросли в уверенность, когда было объявлено о месте московского концерта Кейва – это будет клуб «Б1», достойный продолжатель горбушкинских традиций.

И вот – уже завтра Ник Кейв выйдет на сцену и споёт московской публике про то, что папа не оставит Генри, про сброшенного в колодец другого Генри – Ли, про то, что вокруг все плачут, и про то, что на городок Тупело надвигается большая чёрная туча. И много про что ещё. А для счастья любителям Ника Кейва нужно ровно это. Недаром же даты первого концерта Кейва и нынешнего в точности совпадают – 16 июля. Хотелось бы, чтобы послезавтра впечатления были такими же, как и 17 июля 1998 года. Ник Кейв, если захочет, это обеспечит.

Об авторе.
Григорий Аросев (1979, г. Москва) — театровед, журналист, писатель. Окончил ГИТИС. Работает на телеканале «Культура», шеф-редактор студии художественного кинопоказа, а также в ИТАР-ТАСС. Сотрудничал с рядом московских изданий. На искусство смотрит с профессиональной точки зрения, давным-давно задвигая своё «я» куда подальше.

Если у вас есть вопросы по поводу опубликованных статей, вы можете их задать автору, написав по адресу g.arosev@rambler.ru